Un "Raid Fortunato": la nascita di John Lennon sotto le bombe della battaglia d'Inghilterra

 

Il 9 ottobre 1940, la città portuale di Liverpool era nel pieno del terrore e della resistenza. L'Inghilterra combatteva la Battaglia d'Inghilterra, l'intenso e prolungato bombardamento aereo condotto dalla Luftwaffe tedesca. In questo clima di guerra e incertezza, nel Maternity Hospital di Oxford Street, veniva al mondo John Winston Lennon.

Questa data di nascita, carica di un drammatico simbolismo, ha segnato l'inizio della storia di quello che sarebbe diventato uno degli artisti più influenti della musica e un simbolo globale di pace.

Mentre le sirene antiaeree squillavano e i raid notturni erano all'ordine del giorno, la madre di John, Julia Stanley, diede alla luce il suo unico figlio con il marinaio Alfred Lennon. L'atmosfera era così tesa che si narra che, durante il parto, le bombe tedesche stessero cadendo nelle vicinanze, e il personale ospedaliero fu costretto a trasferire i pazienti per precauzione.

John fu chiamato John Winston, in onore del nonno paterno John "Jack" Lennon e, soprattutto, dell'allora Primo Ministro britannico, Winston Churchill, l'uomo che in quel momento incarnava la resistenza della Gran Bretagna. Questo nome, intriso di un'aspettativa di leadership e pace in un momento di crisi, sembra quasi prefigurare il ruolo che Lennon avrebbe assunto anni dopo come attivista per la pace.

La sua nascita in tempo di guerra riflette, in modo involontario ma potente, il contrasto che avrebbe caratterizzato gran parte della vita e dell'arte di Lennon.

Cresciuto in un Paese in ricostruzione, la sua successiva carriera con i Beatles e poi da solista fu un inno alla ribellione giovanile, alla creatività e, in seguito, all'impegno politico e pacifista. La sua canzone più celebre, Imagine, non è solo un capolavoro musicale, ma un manifesto per un mondo senza confini e senza guerre, un messaggio che acquista un significato più profondo se si considera che l'autore è venuto al mondo mentre la sua città era sotto assedio.

Il 9 ottobre 1940 non fu quindi solo il giorno della nascita di un futuro artista leggendario; fu il giorno in cui, nel caos della guerra, nacque uno dei più ferventi e influenti sognatori di pace del ventesimo secolo.

Curiosità: Il numero 9 divenne una vera e propria ossessione per Lennon. Oltre alla sua data di nascita (9 ottobre), anche suo figlio Sean Lennon è nato lo stesso giorno (il 9 ottobre 1975), ed è un numero che ricorre in diverse delle sue canzoni, come Revolution 9 e #9 Dream.

8 ottobre: ventiquattro anni senza Pierangelo Bertoli, la voce "A Muso Duro"

 

Nel giorno in cui ricorre l'anniversario della sua morte (8 ottobre 2002), ricordiamo Pierangelo Bertoli, il cantautore emiliano che ha trasformato la disabilità in forza e l'impegno civile in poesia popolare, lasciandoci brani che restano l'essenza della musica d'autore italiana.

Un gigante gentile e ruvido… Pierangelo Bertoli. Il cantautore di Sassuolo non fu soltanto un musicista, ma un'icona di coerenza e un simbolo di tenacia, la cui voce graffiante ha raccontato le ingiustizie sociali e le fragilità umane senza mai cadere nel vittimismo.

La sua forza d'animo è racchiusa nel titolo della sua canzone più emblematica: "A muso duro" (1979). Il brano è molto più di una hit, è un manifesto di vita. In un'epoca in cui la sua disabilità (causata dalla poliomielite infantile) poteva essere un ostacolo, Bertoli la trasformò in un punto di vista privilegiato sulla realtà.

"A muso duro" è l'inno di chi sceglie di non piegarsi, di chi affronta le avversità senza compromessi, mantenendo la propria integrità. Questa filosofia si rifletteva non solo nelle sue parole, ma anche nella sua presenza scenica, sempre schietta e autentica.

Se "A muso duro" definisce il suo carattere, "Pescatore" (1981), cantata in duetto con Fiorella Mannoia, ne rivela la vena poetica e popolare. La canzone, che parla di solitudine, speranza e del legame profondo con il mare, è entrata di diritto nel canzoniere italiano. Bertoli aveva il raro talento di vestire i panni dei suoi personaggi, rendendo universali storie semplici e marginali.

L'Impegno e la Coerenza Politica

Bertoli non usò mai la sua musica per mero intrattenimento. Fin dai primi lavori, come "Eppure soffia" (1976), espresse un forte impegno politico e ambientale, denunciando l'indifferenza e la speculazione. La sua adesione a ideali di sinistra non fu mai mercificata; rimase un punto fermo della sua arte, culminato nella partecipazione al Festival di Sanremo del 1991 con "Spunta la luna dal monte" insieme ai Tazenda.

Ancora oggi, a ventitré anni dalla sua scomparsa, l'eredità di Bertoli risuona potente. La sua musica non invecchia perché i temi che ha affrontato – la dignità del lavoro, la difesa dei deboli, l'onestà intellettuale – sono intramontabili.

Pierangelo Bertoli ci ha insegnato che la vera forza risiede nell'essere sé stessi, "a muso duro", senza paura di chi ci guarda o ci giudica. La sua voce è un monito e un abbraccio che continua a mancarci.

Savona applaude “Il Cappellano delle Fate”, viaggio tra storia, musica e leggenda

 

Un anno fa era soltanto un progetto. La sera di giovedì 2 ottobre, al Teatro dei Cattivi Maestri di Savona, "Il Cappellano delle Fate - Una storia dalle Highlands", è diventato realtà davanti a un teatro gremito, regalando ai protagonisti e al pubblico una serata che ha saputo unire racconto, musica e danza in un unico percorso narrativo.

Ci sono voluti quasi dodici mesi per arrivare a quella sera. Un anno di lavoro, incontri, idee, prove e inevitabili interrogativi sul risultato finale. Portare sul palco una storia tanto particolare, sospesa fra folklore, storia, superstizione e riflessione culturale, significava affrontare una sfida importante.

La sera del 2 ottobre ogni dubbio si è dissolto davanti a una sala gremita. Il pubblico ha risposto con una partecipazione che ha premiato mesi di preparazione e confronto, trasformando l'attesa in una concreta soddisfazione per tutti i protagonisti.

Lo spettacolo si è sviluppato lungo il percorso ideato da Giacomo Franco, autore dei testi che hanno raccontato la vicenda di Robert Kirk, il pastore scozzese che nel Seicento osò interrogarsi sul misterioso mondo del Piccolo Popolo e sulle credenze delle Highlands.

La narrazione ha trovato nella voce e nella presenza scenica di Jacopo Marchisio il suo principale filo conduttore. Attraverso letture e interventi narrativi il pubblico è stato accompagnato dentro una vicenda dove storia, leggenda e riflessione culturale si sono continuamente intrecciate.

Accanto alle parole hanno trovato spazio le musiche create ed eseguite da Roberto Storace, capaci di costruire atmosfere suggestive e perfettamente coerenti con il mondo evocato dal racconto. Le composizioni non si sono limitate ad accompagnare la narrazione, ma ne sono diventate parte integrante.

Un contributo importante è arrivato anche dalla danza guidata da Raffaella Bergonzi e interpretata insieme al gruppo di ballerini (Gabriella Barbano, Paola Bussino, Angelo Cerati, Annamaria Cerruti e Roberto Fiaschi) che ha dato forma visiva alle suggestioni provenienti dalla Scozia delle Highlands. Le coreografie hanno aggiunto movimento, colore e leggerezza a una storia che vive costantemente in equilibrio fra terra e immaginazione.

Il programma ha seguito il percorso previsto, alternando momenti di racconto, poesie, musica e danza. Dal "Palazzo al chiar di luna" alla "Danza delle Silfidi", da "Leanan Sidhe" fino al "Regno Segreto", ogni quadro ha contribuito alla costruzione di uno spettacolo ricco e articolato.

Uno degli aspetti più riusciti della serata è stato proprio il suo carattere trasversale. Pur affrontando argomenti legati al folklore e alla storia religiosa della Scozia del Seicento, lo spettacolo è apparso accessibile anche a chi non possiede una conoscenza specifica di questi temi. L'alternanza fra linguaggi diversi ha mantenuto vivo l'interesse del pubblico dall'inizio alla fine, rendendo la proposta coinvolgente e fruibile da spettatori molto differenti tra loro.

Importante anche la scelta di video registrare integralmente l'evento. Il filmato rimarrà come testimonianza e ricordo di una serata particolarmente riuscita, ma rappresenterà anche uno strumento prezioso per consentire ai protagonisti di rivedere il proprio lavoro e individuare eventuali aspetti da perfezionare nelle future rappresentazioni.

La sensazione finale è quella di aver assistito a un prodotto che possiede già una dimensione professionale. Per questo viene spontaneo immaginarlo in altri contesti e davanti ad altri pubblici. Naturalmente è facile comprendere quanto sia complesso muovere un gruppo numeroso di artisti e collaboratori e quanto possa essere impegnativo ricreare ogni volta una scenografia adeguata e le condizioni organizzative necessarie.

Resta però l'impressione che "Il Cappellano delle Fate" abbia tutte le caratteristiche per continuare il proprio cammino oltre questa prima rappresentazione. Passione, competenza, ricerca storica, qualità musicale e capacità narrativa si sono incontrate in una formula equilibrata e convincente.

Una serata nata da un anno di attese e di lavoro che, alla prova del palco, ha dimostrato come un'idea ambiziosa possa trasformarsi in uno spettacolo compiuto, capace di coinvolgere, emozionare e lasciare nel pubblico il desiderio di ritrovare ancora il misterioso mondo di Robert Kirk e delle sue fate.

7 ottobre 1982: il giorno in cui i gatti conquistarono Broadway

 

Il 7 ottobre 1982, al Winter Garden Theatre di New York, debuttò un'opera che avrebbe riscritto le regole di Broadway e sarebbe diventata un fenomeno culturale globale: Cats.

Il musical, nato dalla mente del compositore britannico Andrew Lloyd Webber e basato sul libro di poesie Old Possum's Book of Practical Cats di T. S. Eliot, arrivava in America già forte del successo riscosso a Londra l'anno precedente. Nonostante lo scetticismo iniziale di alcuni critici, che faticavano a inquadrare uno spettacolo senza una vera trama lineare, popolato solo da felini danzanti, Cats si rivelò immediatamente un trionfo.

Il debutto a Broadway fu un evento acclamato dal pubblico e segnò l'inizio di una corsa incredibile. Cats ha stabilito un record di longevità che all'epoca sembrava inarrivabile. Rimase infatti in scena per 18 anni consecutivi, totalizzando 7.485 repliche, diventando per anni lo spettacolo più longevo nella storia di Broadway (un record poi superato da The Phantom of the Opera, anch'esso di Lloyd Webber).

Il successo non fu solo una questione di numeri. Cats si impose grazie a una combinazione vincente di elementi.

Le mosse feline, energiche e acrobatiche, create dalla coreografa Gillian Lynne, erano innovative e trasformarono gli attori in veri e propri gatti, immersi in un gigantesco set di rifiuti.

Il palco trasformato in un vicolo di periferia gigante faceva sentire il pubblico parte della "Jellicle Ball" (il Gran Ballo di T. S. Eliot).

La canzone simbolo del musical, "Memory", cantata dal personaggio di Grizabella, la "glamour cat" decaduta, divenne una hit mondiale e il cuore emotivo dello spettacolo.

Il trionfo di Cats non solo portò alla ribalta Andrew Lloyd Webber come una delle figure più influenti del teatro musicale, ma aprì anche la strada a una nuova era di "megamusical" teatrali, caratterizzati da grandi produzioni, effetti speciali e colonne sonore pop.

Il 7 ottobre 1982 è, in definitiva, la data in cui il musical ha ricevuto una sferzata di energia e fantasia che continua a ispirare le produzioni teatrali moderne.

 

6 Ottobre: ricordando Bette Davis, l’attrice che non chiese scusa a nessuno

 

Oggi, 6 ottobre, ricorre l'anniversario della scomparsa di una delle figure più titaniche della storia del cinema. Se c'è un nome che evoca l'immagine della vera, indomita star di Hollywood, quella è Bette Davis.

Nata Ruth Elizabeth Davis (1908-1989), non era la classica bellezza bionda e zuccherosa che i produttori avrebbero voluto. Era molto di più: era una forza della natura, un'artista di talento smisurato i cui occhi grandi e penetranti potevano esprimere in un istante la vulnerabilità più profonda o la crudeltà più tagliente.

Bette Davis è diventata un'icona non solo grazie ai suoi film, ma anche per la sua personalità. Fu una delle prime attrici a lottare ferocemente contro il rigido "Studio System" di Hollywood, in particolare contro la Warner Bros., che spesso le imponeva ruoli che riteneva indegni. Questa sua testardaggine e il suo rifiuto di essere un semplice ornamento la portarono a scegliere personaggi complessi, schietti e spesso "difficili" - donne che rompevano le regole, pagando le conseguenze, ma restando indimenticabili.

Non a caso, il suo successo arrivò proprio interpretando questi ruoli "poco amabili", che a lei interessavano ben più delle eroine perfette.

La sua grandezza è sigillata da due Premi Oscar come Miglior Attrice Protagonista, un risultato raggiunto in un'epoca in cui le attrici di carattere non avevano vita facile.

Il primo arrivò nel 1936 per Paura d'amare (Dangerous), dove interpretava un'attrice alcolizzata e autodistruttiva. Fu proprio in quell'occasione che, secondo la leggenda, Bette Davis diede il soprannome al premio: guardando la statuetta, avrebbe esclamato che somigliava al suo primo marito, Harmon Oscar Nelson. E così, è nato il nome "Oscar"!

Il secondo trionfo giunse nel 1939 per Figlia del vento (Jezebel), un dramma in costume dove è la ribelle Julie Marsden, che osa presentarsi a un ballo in un abito scandalosamente rosso, sfidando la società benpensante. È l'apice della Bette Davis "forte e fragile", un connubio perfetto di passione e orgoglio.

Nonostante i due Oscar, le sue interpretazioni più celebri per il pubblico di oggi sono spesso quelle che non le portarono la statuetta, ma che la consacrarono come leggenda assoluta:

Eva contro Eva (All About Eve, 1950): chi può dimenticare la sua Margo Channing, la star di Broadway brillante ma paranoica che si scontra con l'ambizione della giovane Eve Harrington? La sua performance è una lezione di recitazione, tanto da farle vincere il Premio come Miglior Attrice al Festival di Cannes.

Che fine ha fatto Baby Jane? (What Ever Happened to Baby Jane?, 1962): qui, Bette Davis si calò nei panni della terrificante "Baby Jane" Hudson, regalandoci uno dei personaggi più inquietanti della storia del cinema. Il film è famoso anche per la sua acerrima e reale rivalità con la co-protagonista Joan Crawford, un duello di dive che è diventato esso stesso leggenda hollywoodiana.

Bette Davis non era interessata alla bellezza effimera; era interessata alla verità del personaggio. Per questo motivo, la sua carriera è durata ben oltre quella di molte sue contemporanee, restando fino alla fine una delle attrici più influenti e celebrate del cinema mondiale, prima di spegnersi proprio in questa data, il 6 ottobre 1989.

L'agente che ha fatto la storia: 5 Ottobre 1962, nasce James Bond

Il 5 ottobre 1962, faceva il suo debutto nel Regno Unito un film destinato a lanciare una delle saghe più longeve e influenti di tutti i tempi. Quel film era Agente 007 - Licenza di uccidere, e con esso il mondo intero conobbe per la prima volta l'agente segreto più famoso di Sua Maestà: James Bond.

Basato sul sesto romanzo di Ian Fleming, il film non solo introdusse il pubblico al mondo di spionaggio e azione di Bond, ma stabilì anche tutti gli elementi fondamentali che avrebbero definito il "Bond-verso" per i decenni a venire:

L'attore scozzese, inizialmente una scelta controversa, si rivelò l'incarnazione perfetta dell'agente 007. La sua interpretazione stabilì il metro di paragone per tutti i futuri Bond, combinando un fascino rude con un'eleganza letale.

Il film stabilì immediatamente le fondamenta della saga introducendo elementi che sarebbero diventati leggendari. Non solo il pubblico ascoltò per la prima volta la presentazione iconica — "Bond, James Bond" — ma conobbe anche i pilastri del MI6: M (interpretato da Bernard Lee), il burbero e autorevole capo dell'intelligence, e la seducente Miss Moneypenny (Lois Maxwell), la segretaria con cui Bond intrattiene un immancabile flirt civettuolo. A completare il quadro, venne presentato il Dottor No (Joseph Wiseman), il primo, memorabile cattivo, un sinistro genio del male con mani metalliche e l'audace piano di sabotare il programma missilistico americano.

La trama vede Bond inviato in Giamaica per indagare sulla scomparsa di un collega. Lì, scopre la base segreta del Dottor No su Crab Key. È in queste ambientazioni esotiche che il film introduce una delle scene più iconiche: l'uscita dall'acqua di Honey Ryder (Ursula Andress), la prima e forse più indimenticabile "Bond Girl", un'immagine che divenne immediatamente un simbolo di sensualità cinematografica.

Dr. No fu un successo travolgente e immediato, nonostante un budget relativamente limitato. Il film dimostrò che c'era un enorme appetito del pubblico per questo nuovo tipo di eroe, sofisticato, spietato e amante dei gadget (anche se in questo primo capitolo i gadget erano ancora pochi e rudimentali).

Il film pose le basi non solo per il successo finanziario, ma anche per l'impronta estetica e stilistica di tutti i film a seguire. Il tema musicale di James Bond, composto da Monty Norman ed arrangiato da John Barry, è una delle melodie più riconoscibili del cinema.

In sintesi, il 5 ottobre 1962 segnò la nascita di una leggenda.

Agente 007 - Licenza di uccidere non è solo l'inizio di una saga, ma il punto zero di un'icona culturale che continua a evolversi e affascinare intere generazioni di spettatori.

4 Ottobre 1969: cala il sipario sul pioniere dello swing italiano

 

Milano, 4 Ottobre 1969 - È questo il giorno in cui ci lasciava Natalino Otto, pseudonimo di Natale Codognotto, spentosi a Milano all'età di 56 anni a causa di un attacco cardiaco. La sua morte ha segnato la fine di un'epoca, portando via il pioniere che, in un'Italia musicale spesso rigida, osò introdurre i ritmi frenetici e vitali dello swing e del jazz d'oltreoceano.

Nato a Cogoleto (Genova) il 24 dicembre 1912, Natalino Otto non fu solo un cantante e batterista, ma anche un vero e proprio "contrabbandiere di ritmo". La sua formazione avvenne a bordo dei transatlantici che negli anni '30 facevano la spola tra l'Italia e gli Stati Uniti. Durante le sue 34 traversate atlantiche sulla nave "Conte di Savoia", Otto assorbì le sonorità innovative delle grandi orchestre americane, il germe del jazz e dello swing.

Al suo rientro in Italia, forte della sua esperienza, iniziò a proporre un repertorio composto prevalentemente da brani americani tradotti o riarrangiati, spesso in collaborazione con l'amico e maestro Gorni Kramer.

La sua opera, tuttavia, si scontrò duramente con il clima culturale e politico dell'Italia fascista. L'Ente Italiano per le Audizioni Radiofoniche (EIAR) censurò la sua musica, definita "barbara antimusica negra" e di derivazione "negroide", vietandone la diffusione radiofonica tra il 1941 e il 1945.

Nonostante l'ostracismo ufficiale, i suoi dischi, con successi come "Ho un sassolino nella scarpa", "Mamma voglio anch'io la fidanzata" e "Polvere di Stelle", divennero oggetti di culto. Erano ascoltati clandestinamente dai giovani, trasformando la sua musica in un vero e proprio simbolo di ribellione e sfida al regime.

Con la fine della guerra e la nascita della RAI, Natalino Otto tornò prepotentemente sulla scena. Negli anni '50 fu un volto popolare anche al Festival di Sanremo, dove si classificò terzo nel 1955 con "Canto nella valle" e quarto nel 1954 con "Notturno". La sua voce, unica nel suo genere, fu determinante nel far accettare e amare i ritmi sincopati al pubblico italiano, spianando la strada a futuri grandi dello swing e del jazz nostrano come Fred Buscaglione.

Sposato con la cantante Flo Sandon's, Otto è ricordato non solo per le sue oltre duemila incisioni, ma per il coraggio artistico che lo rese il vero, indiscusso, profeta dello swing italiano.

Il suo "ritmo dondolante" continua a risuonare, tramandando la storia di un artista che ha lottato per portare la modernità nella canzone italiana.